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Tuile étrusque Ménade

Tuile étrusque Ménade


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Technologie et ingénierie étrusques

Au fur et à mesure que la puissance étrusque grandissait, des rivaux mortels en remarquèrent : pirates, Carthaginois, Romains. Mais les Étrusques n'étaient pas complaisants. Ils sont devenus des ingénieurs et des technologues réputés pour se protéger.

Ils auraient pu utiliser un bon publiciste. Presque personne aujourd'hui n'a entendu parler d'un cuniculus étrusque, alors que tout le monde connaît les aqueducs romains.

--nouvelles techniques de l'eau et de l'agriculture

--métallurgie, en particulier le bronze

--architecture et bâtiments

Les Étrusques ont répandu les toits de tuiles et l'architecture des temples dans toute l'Italie. Des toits de tuiles protégeaient le bâtiment en bois fragile et périssable en dessous.

Leur contribution notable a été de populariser le sceau du toit. Le toit pourrait alors protéger la structure du bâtiment en bois des effets de la pluie et des animaux plus longtemps que les matériaux de construction existants.

Pour sceller, les Étrusques posaient des rectangles de tuiles sur le toit, puis superposaient des tuiles demi-rondes sur le dessus, le long des coutures des rectangles - un sceau ingénieux.

Les extrémités des tuiles le long de la ligne du toit étaient scellées avec des antéfixes, généralement avec des figures féroces comme une Gorgone ou une Méduse pour éloigner le danger. Ou pour empêcher les oiseaux de nicher à l'intérieur des ouvertures.

L'exploit d'ingénierie étrusque le plus remarquable était le contrôle de l'eau. .

Une eau abondante, contrôlée et propre était l'un des problèmes les plus graves de l'ancienne Méditerranée.

Les Étrusques habitaient des plaines côtières potentiellement fertiles. Mais, leur source d'eau - le débit descendant des Apennins - était imprévisible. Il serpentait en ruisseaux et devenait marécageux au lieu de couler en ligne droite.

L'eau des marais pourrait également être malsaine. Dans un marais, l'eau stagnante est exposée à la lumière directe du soleil, développant des algues et du méthane.

Le "cu niculus

Le cuniculus était leur solution ingénieuse. C'était un type de système de tranchées qui pouvait drainer l'eau des marais. Ils l'ont utilisé pour irriguer les terres agricoles sèches, augmentant ainsi l'approvisionnement alimentaire.

Les Étrusques étaient assis sur de vastes ressources naturelles, à la fois sur leur île d'Elbe et dans les contreforts des Apennins. Sous la surface se trouvaient d'abondantes quantités de cuivre et d'autres minerais.

Au fur et à mesure que leur population augmentait, des spécialistes émergeaient. Les Étrusques ont développé des compétences métallurgiques très recherchées.

Ils sont devenus célèbres pour leur bronze, un alliage de cuivre et d'étain, et pour leurs bijoux en or.

Armure étrusque

Le bronze leur a donné un avantage dans les prouesses militaires. Leur équipement militaire était en bronze, alors que leurs concurrents n'avaient que du cuir. Grâce à la supériorité technique de leur bronze, les forces militaires étrusques pouvaient protéger leurs ressources naturelles et leurs ports.

Les bijoux étrusques font aujourd'hui preuve d'une technique et d'un raffinement étonnants.

Ils ont mis au point de nouvelles techniques d'orfèvrerie, ce qui a entraîné une forte demande pour leurs produits.

Les minerais bruts nécessaires à la métallurgie et au commerce se trouvaient à l'intérieur du territoire étrusque. Les ateliers de métallurgie et les ports de commerce côtiers étaient sur la côte.

Pour acheminer les minerais aux ateliers puis aux navires marchands, les Étrusques ont construit les meilleures routes jusqu'à ce que les Romains perfectionnent la construction de routes des centaines d'années plus tard. Les routes étrusques étaient faites de tuf - facile à couper mais aussi facile à émietter.

Le transport maritime était beaucoup plus économique et plus rapide que le transport par charrettes tirées par des animaux. Les Étrusques étaient connus pour leur matelotage, leur permettant de commercer librement dans toute la Méditerranée.

Commerce étrusque

Le contrôle des Étrusques sur les mers était crucial pour développer son commerce nord-sud. Ils voulaient de l'ambre. Cet ingrédient précieux était utilisé dans les bijoux et dans les rites religieux de la mer Baltique au nord. Autrefois l'ambre de l'Italie, les Étrusques l'échangeaient par voie maritime avec des régions de toute la Méditerranée et plus à l'est.

Bien que nous puissions voir le produit final - navires (à travers des peintures), toits de tuiles, routes, équipement militaire, bijoux - nous savons peu de choses sur la façon dont ils sont arrivés là. Quels étaient les moyens de production ? Comment ont-ils extrait les minéraux et le minerai brut du sol et travaillé les métaux ? Aucune mine intacte ni aucun atelier de métallurgie n'ont été retrouvés pour nous donner des indices.


Architecture

Les Étrusques ont introduit les toits de tuiles en Italie. Des toits de tuiles protégeaient le bâtiment en bois périssable en dessous.

Les Étrusques aimaient tellement les Grecs qu'il n'est pas facile de définir les différences entre l'art grec et l'art étrusque.

Plus de vases grecs ont été trouvés dans les tombes et les sites étrusques qu'en Grèce même . Environ 500 000 tombes étrusques se trouvent uniquement dans le sud de l'Étrurie.

Dans ce vase étrusque typique, vous pouvez clairement voir la mythologie grecque ("Hercule terrassant l'hydre") et le design du vase grec.

Sources : Richard de Puma,, Etruscan Art in the Metropolitan Museum (2013) Nigel, Spivey, Etruscan Art (1997)


Art étrusque VIe Ve siècle av.

Le mystère entoure les Etrusques. Personne ne sait d'où ils viennent et seuls quelques-uns de leurs "mots" ont été déchiffrés. Ils habitaient une région du centre-ouest de l'Italie et ce groupe de cités-états indépendantes était à son apogée des années 700 aux années 400 av. J.-C. L'Étrurie fut progressivement victime de la montée en puissance de Rome. L'œuvre d'art créée par les Étrusques a été influencée par les constructions antérieures de la Grèce et de la Méditerranée orientale. Même ainsi, les Étrusques avaient un style et un flair qui leur étaient propres. Une grande partie de la céramique et des sculptures sur lesquelles ils ont passé des heures à travailler ont été fabriquées spécifiquement pour des raisons funéraires - un peu comme les premiers Égyptiens - et les pièces laissées témoignent d'une grande passion et d'un amour intense de la vie.

Antéfixe étrusque Étrusque, Caere, 600 - 500 av. La femme porte un diadème, des boucles d'oreilles, un collier et une robe à motifs. Un artisan a ajouté de la peinture brillante à la tête en terre cuite moulée pour souligner l'effet et la visibilité de l'antéfixe. Bien que cet antéfixe soit inhabituel car il s'agit d'un buste de personnage, pas seulement d'une tête. Les tuiles qui couraient le long des avant-toits des édifices grecs et étrusques anciens se terminaient souvent par des membres verticaux appelés antéfixes. Ces terres cuites moulées prenaient souvent la forme de têtes, soit d'humains, soit de créatures mythologiques. En plus d'être décoratives, les terres cuites architecturales servaient à couvrir et à protéger les parties en bois exposées de l'architecture contre les éléments.

Gemme sous la forme d'un scarabée

Gemme sous la forme d'un scarabée Etrusque inconnu, 400 - 375 av. D'une main, Héraclès étrangle un oiseau par le cou, de l'autre, il tient sa massue, que le tailleur a représentée par cinq trous de perçage. Sous un pied, il piétine un autre oiseau. Le héros est engagé dans son cinquième travail, qui l'obligeait à chasser ou à tuer les oiseaux gênants - parfois considérés comme des mangeurs d'hommes - qui habitaient la région du lac Stymphale en Grèce. Ce travail est rarement représenté dans l'art étrusque, et ce joyau est le premier exemple étrusque du mythe. Les gemmes étrusques prennent souvent la forme d'un scarabée, une forme dérivée de la Phénicie et de l'Égypte. Dans ce dernier pays, le scarabée avait une signification religieuse en tant qu'emblème du soleil. Le support filaire attaché au scarabée est moderne.

Statuette votive de Herkle

Statuette votive de Herkle Étrusque inconnu, 320 - 280 av. À l'origine, sa main tendue tenait un objet rond, peut-être une pomme en référence aux pommes des Hespérides, le dernier travail d'Héraclès. La peau du lion de Némée confirme l'identité du héros. Herkle porte la peau de sa tête avec les pattes avant attachées autour de son cou. À la fin des années 300 ou au début des années 200 av. Cet élément apparemment démodé de la statue est contrebalancé par la connaissance de l'artiste des développements récents de la sculpture grecque, comme en témoigne la pose du contrapposto de la figure. Herkle était une figure très populaire dans la statuaire étrusque en bronze. Un fidèle a probablement placé cette statuette dans un sanctuaire étrusque en offrande à la divinité.

Statuette d'homme barbu

Statuette d'homme barbu étrusque, vers 480 avant J.-C. Bronze Cet homme barbu porte une tebenna, une forme semi-circulaire de toge. Il a une fois tenu quelque chose dans sa main gauche, qui l'aurait probablement identifié. Faute de cet objet, son identité est sujette à caution. Il pourrait être Tinia, l'équivalent étrusque de Zeus, le roi des dieux si tel était le cas, il aurait tenu un sceptre ou un coup de foudre. Cependant, il pourrait tout aussi bien représenter un fidèle ou un prêtre. De petites figures comme celle-ci étaient souvent laissées dans les temples en offrande aux dieux. Cette statuette aurait été trouvée à Piombino, en Italie. Bien que son visage et ses muscles soient naturalistes, l'homme barbu est posé de manière rigide et son vêtement est disposé de manière artificielle. De telles combinaisons de traits stylistiques opposés ne sont pas rares dans l'art étrusque. Région riche en sources métalliques, l'Étrurie produisait de grandes quantités de statuettes en bronze.

Patera Handle sous la forme d'une fille nue ailée

Poignée patera sous la forme d'une fille ailée nue étrusque, 350 - 300 avant JC Une figure sculptée d'une divinité féminine ailée appelée Lasa forme cette poignée patera étrusque. La patera est un récipient composé d'un élément en forme de bol attaché à une poignée. Les Étrusques utilisaient une patère pour verser de l'eau sur leurs mains avant de sacrifier, mais ils l'utilisaient peut-être aussi pour le bain général. La femme tient un alabastron et est nue à l'exception de ses chaussures et de ses bijoux. Les chercheurs ont du mal à interpréter cet objet en raison de l'incertitude à la fois sur l'identité de Lasa et sur la fonction de la patère. Ils se disputent si Lasa était une divinité majeure à part entière ou si elle n'était qu'une divinité mineure, le plus souvent un serviteur de Turan, l'équivalent étrusque d'Aphrodite, la déesse grecque de l'amour

Statuette d'un garçon africain assis

Statuette d'un garçon africain assis étrusque, 500 - 400 avant J.-C. La tête dans sa main, un jeune garçon est assis recroquevillé sur le sol. À travers le rendu des cheveux et des traits du visage, l'artiste le caractérise comme un Africain. L'artiste a également soigneusement dépeint sa mauvaise condition physique et émotionnelle : dos voûté, côtes saillantes et posture abattue. Les commerçants et les marins étrusques auraient rencontré des Africains dans leur commerce outre-mer. Les Étrusques gardaient également des esclaves, dont certains étaient probablement africains, comme semble l'être le garçon de cette statue. Pourtant, la plupart des Étrusques n'auraient jamais vu un Africain, et ils ont donc joué le rôle de curiosités rares et exotiques dans l'art étrusque. La forme de la base de la statuette suggère que cette figure décorait autrefois le sommet d'un candélabre.

Antefix : danse de ménade et de satyre

Antéfixe : Ménade et satyre dansant étrusque, 500 - 475 av. Les antéfixes étaient des tuiles droites, souvent décorées, placées le long des bords ou des avant-toits des toits des bâtiments grecs et étrusques. En plus d'être décoratives, les terres cuites architecturales servaient à couvrir et à protéger les parties en bois exposées de l'architecture contre les éléments. Les yeux exorbités, le nez retroussé et les oreilles pointues du satyre soulignent sa nature bestiale, tandis que la corne à boire qu'il porte souligne sa nature débauchée. La ménade, tenant des krotala ou des castagnettes, s'éloigne quelque peu du satyre mais ne résiste pas réellement à ses étreintes. Provenant de Caere, cet antéfixe est remarquable par la quantité de peinture d'origine qu'il retient. La peinture rouge et noire préservée sur la robe de la ménade donne un sens à la décoration colorée d'origine.

Statuette d'un jeune mettant sa cuirasse

Statuette d'un jeune mettant sa cuirasse étrusque, 490 - 470 av. J.-C. Sur cette statuette étrusque en bronze, un jeune guerrier met son armure. Il saisit les rabats d'épaule de sa cuirasse, les tirant vers l'avant afin de les attacher. L'artiste a représenté la cuirasse dans les moindres détails, avec des rangées de cercles et de demi-cercles perforés ornant sa surface et une double rangée de ptéryges ou de rabats le long de son bord inférieur. L'ourlet décoré de la tunique courte de la jeunesse ressort sous la cuirasse. La forme du socle de la statuette indique que ce jeune homme décorait autrefois le sommet d'un candélabre. Le style de la base et du visage des jeunes suggèrent que la statuette a été réalisée dans la ville de Vulci.

Cheval et Cavalier Vulcien, Vers le milieu du 6 ème siècle avant J.-C. La tête et le visage du cavalier sont malheureusement malheureusement défigurés, sa jambe et son pied droit sont endommagés. Le cavalier appartient à un groupe de sculptures funéraires destinées à être placées à l'entrée des tombes. La crinière du cheval, encore visible à droite, était peut-être tressée sur le dessus.

Balsamarium (tête de femme) Étrusque, IIIe siècle av. J.-C. On a pensé que des vases en forme de têtes représentaient Turan (Aphrodite) ou Lasa. Article de toilette de dame, ils étaient probablement utilisés pour les substances parfumées, mais remplissaient également une fonction funéraire et accompagnaient la défunte jusqu'à sa tombe. Ces récipients, généralement assez stéréotypés, ont une expression quelque peu ennuyeuse en accord avec une production de masse cet exemple est inhabituel dans son raffinement et avec son sourire évanescent imperceptible est vraiment une expression délicieuse de la féminité en Etrurie.


Podcast Épisode 32 l Oubliez les Romains, rencontrez les Etrusques

Les Étrusques ont habité l'Italie bien avant les Romains, qui ont adopté une grande partie de leurs pratiques et de leur culture.

Saïma Baig

Je suis un écologiste agréé de la Royal Society for the Environment, Royaume-Uni et copropriétaire de DoLocal Digital Marketing Agency Ltd, avec une maîtrise en gestion de l'environnement de l'Université de Yale, un MBA en finance et un baccalauréat ès sciences en physique et mathématiques. Je suis passionné par la science, l'histoire et l'environnement et j'aime créer du contenu sur ces sujets.


Navires

Alors que les routes à l'intérieur étaient importantes, le commerce sur de longues distances devait se faire par voie maritime. Les Étrusques étaient connus pour leur matelotage, leur permettant de commercer librement dans toute la Méditerranée.

Navire marchand d'une fresque de tombe à Tarquinia

Quel commerce faisaient les Etrusques ? Ils voulaient de l'ambre. Cet ingrédient précieux était utilisé dans les bijoux et dans les rites religieux, et il venait de la mer Baltique au nord. Une fois que l'ambre est arrivé en Italie en provenance du nord de l'Europe, les Étrusques l'ont échangé par voie maritime avec des zones dans toute la Méditerranée et plus à l'est.

Sur l'Adriatique, les Étrusques ont établi pour le commerce est-ouest le port de Spina, au-dessous de l'actuelle Venise. De Spina, ils exportaient leurs propres produits finis, en particulier des bijoux, et importaient un grand nombre de vases grecs au Ve siècle av. (Presque tous les vases grecs anciens aujourd'hui conservés dans des musées de classe mondiale, comme le Met à New York, provenaient de sites étrusques fouillés à l'époque moderne.)


Tuile étrusque Ménade - Histoire

L'utilisation de la terre cuite pour la production de tuiles comme matériau de toiture remonte à l'Antiquité à cet égard, nous distinguons deux types de base de tuiles :

Barrel Tile – Aussi appelé coppo en italien, de forme cylindrique, légèrement conique (section conique). C'est la forme la plus ancienne.

Tuile plate – Présente dans de nombreuses variantes géographiques, selon s'il était utilisé à la fois comme capuchon et pan, ou généralement comme pan à un capuchon de tuile de baril. Dans ce dernier cas, ils sont maintenant connus sous le nom de « pans romains ».

Les tuiles en terre cuite ont été utilisées de la civilisation mésopotamienne à la civilisation grecque, étrusque-italique, romaine et byzantine : une histoire ancienne qui se déroule, sans interruption, jusqu'à aujourd'hui. C'est à l'époque hellénistique que les tuiles en terre cuite évoluent vers un produit de construction spécialisé, tant d'un point de vue technologique/fonctionnel qu'esthétique.
Il est intéressant de noter qu'en Grèce, où il y avait une utilisation limitée de briques d'argile, à la fois brutes et cuites, en raison de l'abondance de pierres et de marbres, il y avait une utilisation intensive des tuiles en terre cuite. La nécessité de protéger et de décorer les temples, réalisés avec des matériaux plus périssables (bois, argile crue), a conduit les industriels grecs à affiner et adopter des revêtements en terre réfractaire à grande échelle.
L'évolution de la toiture à deux versants à pente limitée, avec fronton et couverture en tuiles de terre cuite, se déroule dans le Péloponnèse, devenant rapidement l'élément le plus prisé des édifices monumentaux. Elle s'est ensuite étendue à toutes les régions colonisées d'Asie Mineure, de Sicile et de Grande-Grèce.

À l'époque hellénistique, deux systèmes très différents de revêtement de toit en terre cuite – tant pour les types de tuiles que pour la forme et la couleur de la décoration – se sont développés : les toits spartiates et corinthiens. Le corinthien, plus articulé et décoré, a substitué le toit spartiate du VIe siècle av.

Le toit spartiate se composait essentiellement de tuiles en tonneau (semi-cylindriques) se chevauchant alternativement comme chapeaux et casseroles. La toiture corinthienne, plus compliquée, présente à ses débuts une grande variété de formes : les tuiles plates à marges latérales incurvées ou relevées à angle droit (appelées aujourd'hui Pans romains car elles sont devenues populaires à l'époque romaine) et le tonneau ou triangulaire tuiles comme chapeaux. Parfois, ceux-ci étaient faits d'une seule pièce (un ancêtre de la tuile “S”) que nous connaissons aujourd'hui. D'autres tuiles spéciales que l'on voit encore aujourd'hui ont été créées : par exemple les tuiles faîtières dédiées. Le dernier élément du toit serait des antéfixes – blocs verticaux qui terminent les tuiles de couverture d'un toit en tuiles, avec un objectif décoratif et pratique à la fois, ornant le bâtiment et empêchant les oiseaux de nicher à l'intérieur du trou – conçu comme une simple fermeture de l'extrémité du pan romain, avec une palmette en relief.

Reconstitution d'un revêtement de toit d'un temple grec (G. A. Breymann, 1885)*

Les colonies grecques de l'ouest de la Sicile et de la Magna Graecia ont développé un système de tuiles en terre cuite qui présente des traits d'originalité afin que nous puissions en fait identifier un troisième type appelé sicilien ou ionique. La caractéristique de ce système est représentée par des tuiles plates combinées avec des tuiles semi-cylindriques. Cependant, ce qui distingue le plus le toit sicilien des toits spartiates et corinthiens, c'est l'absence d'antéfixes et la pauvreté de l'ornementation en relief.

Dans l'architecture étrusque également, qui a précédé et pendant quelques siècles l'architecture romaine, l'utilisation d'éléments en terre cuite pour le revêtement des toits avait une longue et importante tradition.

Le toit étrusque typique est extrêmement décoré et coloré. Le faîte du toit est caractérisé par de grandes tuiles ornées de figures fantastiques de bêtes sauvages ou d'ancêtres divinisés la ligne de gouttière est fermée par les antéfixes, représentant souvent des visages monstrueux, comiques et bizarres. Les types de tuiles utilisées par les Étrusques sont plates et en forme de tonneau et se chevauchent. Nous avons aussi des exemples de casseroles romaines ornées d'une tête de griffon.

Reconstitution d'un temple étrusque, d'après les indications de De Architectura de Vitruvio. (F. Bombardi, 1990)*

Le revêtement des toits en terre cuite des temples étrusques, du VIe siècle av.

La couverture de toit utilisée par les Romains, découlait directement du modèle étrusque et grec, en particulier du modèle sicilien : les tuiles plates se chevauchent transversalement dans le sens de la pente du toit. Les tuiles tonneau sont généralement placées pour recouvrir les liaisons latérales des tuiles. Les capuchons tangulaires disparaissent au profit de la forme en fût conique avec une extrémité plus large que l'autre pour faciliter l'installation.

Exemple de toiture romane composée à la fois de tuiles plates et de tuiles plates.

Les tuiles plates romaines ont une forme assez standard (rectangulaire ou trapézoïdale), alors qu'il existe plusieurs variables concernant la taille. Comme les tuiles plates, les tuiles tonneaux romains ont également peu de variantes : la forme principalement en tonneau est maintenant la forme préférée et le choix étant des bords droits ou coniques pour s'adapter aux casseroles rectangulaires ou trapézoïdales. Leur couleur brun rougeâtre typique était due à une forte cuisson nécessaire pour rendre ces produits, poreux par nature, plus imperméables.

La même technologie développée par les Romains a survécu à la chute de l'Empire d'Occident, transmigrant en Europe et, en particulier, dans l'Italie du haut Moyen Âge. Les édifices publics romains monumentaux, dont beaucoup sont tombés en désuétude, étaient considérés comme d'importants gisements de pierres, de briques et de tuiles.

À la fin du Moyen Âge, il y a eu des tentatives pour standardiser la production de briques. De tous les artisans actifs dans divers domaines de la production de bâtiments, les ouvriers des fourneaux étaient les plus soumis à la réglementation. Les gouvernements ont tenté de contrôler les prix des briques afin de protéger l'intérêt du public dans la zone qui couvrait le matériau de construction de base. Il devenait indispensable de vérifier la taille des briques, car le fourneau, face à un forfait de vente, était tenté de réduire les coûts en réduisant la taille du produit. Ainsi, à partir de la seconde moitié du XIIIe siècle, les statuts municipaux de Venise, Padoue, Pise, Rome, Sienne et d'autres villes fixaient les mesures des briques et des sacs de chaux et réglementaient les prix pour chaque type de produit. Les statuts municipaux ont construit des modèles de briques qui ont été utilisés comme unité de mesure officielle. Parfois le modèle officiel était accessible et exposé en permanence dans un lieu public. Une ville où l'on peut encore voir sur l'écran public des échantillons de briques et de tuiles est, entre autres, Assise. Il existe un outil de tailles de référence ("Abaco") pour les mesures municipales pour les tuiles et briques en terre cuite à la base de la tour du Palazzo del Capitano del Popolo, avec une inscription portant la date de 1349.

Abaco pour les mesures municipales pour les tuiles et briques en terre cuite à la base de la tour du Palazzo del Capitano del Popolo, Assise, Italie.*

Une légende dit que la forme typique de la tuile tonneau incurvée provient de la fabrication, qui avait lieu sur le haut de la cuisse du briquetier. En fait les tuiles ont été “formées”– – c'est le terme exact – dans un moule de bois, préparé par un ouvrier. La forme était convexe et avait des bords sur les 4 côtés, bords qui permettaient la compression manuelle de l'argile de boue, appelée marne. Les lignes au dos de la tuile proviennent des empreintes digitales du briquetier, qui a pressé l'argile en forme 600/700, voire 800 fois par jour. Après la presse, l'artefact a été laissé à sécher au soleil pendant au moins une/deux heures. Une fois tous les moules en bois utilisés, le briquetier épluchait les tuiles brutes et les mettait dans un lit de sable pour les faire sécher. Après 20/30 jours de séchage, ils ont été placés dans le four et cuits pendant plusieurs jours.

Afin de permettre un écoulement efficace des eaux pluviales, l'utilisation des tuiles devait être nécessairement associée à la construction de toits en pente c'est à dire que les tuiles ont été le système de couverture exclusif jusqu'à l'avènement du béton armé (début 1900), qui a permis la construction de toits plats, imperméabilisés par application de papier goudronné. L'utilisation du carrelage reste extrêmement appréciée pour des raisons esthétiques, de préservation du patrimoine paysager et historique, mais aussi pour l'efficacité du matériau en termes d'isolation thermique et hydraulique.

Toits romains : le ragréage des toits est un processus organique et continu.

Compte tenu de l'extrême diversité des contextes géographiques dans lesquels les carreaux étaient utilisés en Europe, il était inévitable qu'ils aient évolué vers des formes et des tailles diverses.

La tuile peut aussi varier en fonction de sa position sur la toiture (par exemple, celles du faîtage sont plus larges que celles des zones en pente). La couleur des tuiles est une autre variable importante : elle change selon les différentes régions géographiques car différentes argiles produisent des tuiles de couleurs différentes, mais aussi des temps de cuisson et des températures différentes affectent la couleur finale.

C'est toujours le type de toiture le plus courant dans les pays méditerranéens et il est toujours considéré comme très abordable.

Les caractéristiques qui caractérisent les tuiles en terre cuite et en font le choix le plus populaire sont :

  • Excellente résistance à l'eau et au gel.
  • Isolation thermique exceptionnelle en réduisant les pertes ou les gains de chaleur indésirables et en diminuant les besoins énergétiques du système de chauffage et de refroidissement.
  • La longévité, une durée de vie mesurée en siècles.
  • La porosité, qui permet d'absorber les vapeurs formées sous la toiture puis de s'évaporer à l'extérieur.
  • Polyvalence architecturale.

En Europe, il existe de nombreux centres de production de tuiles en terre cuite qui utilisent à la fois des techniques traditionnelles et des matériaux et designs innovants.

Il est important de dire qu'il devient de plus en plus populaire dans l'industrie de la construction et de l'architecture de récupérer, revendre et réutiliser les vieilles tuiles, qui ont une allure unique et étonnante en raison du temps, de l'usure et du caractère.

* Photos de Tetti à Laterizio par Alfonso Acocella, Laterconsult Pubblisher, Rome, 1994


Catalogue Etruria I : Terres cuites architecturales et plaques murales peintes, Pinakes v. 625-200 avant JC

Ce catalogue documente la collection de terres cuites et de plaques architecturales (pinakes) de la Ny Carlsberg Glyptotek. Certaines pièces architecturales, telles que les simas, les antéfixes et les plaques de revêtement, étaient fabriquées dans des moules et donc produites en série, tandis que d'autres, comme les acrotères, un seul antepagmentum et les plaques de columen et de mutulus, étaient généralement façonnées à la main. Des pinakes ont été peints individuellement pour les murs des édifices religieux et des chambres funéraires.

Le catalogue commence par un avant-propos qui explique l'histoire de la collection. Il a été assemblé principalement par le fondateur du musée, Carl Jacobsen, dans les années 1890, mais des pièces, y compris les plaques murales, ont été ajoutées en 1977-1978 et un prêt à long terme de fragments de plaques de revêtement a été effectué en 1990. les pièces achetées en 1977-1978 ont récemment fait l'objet d'un procès. Il s'agissait des dernières acquisitions du musée sur le marché de l'art international et en raison de la perte d'informations résultant de ces achats, le musée a maintenant cessé de collectionner. Au lieu de cela, il prévoit de compléter les expositions de son propre matériel par des échanges et des prêts à long terme.

Dans l'introduction, Winter présente un aperçu de l'architecture étrusque, y compris les maisons, les bâtiments communaux et les temples, et détaille les composants d'un toit en terre cuite. Ce faisant, elle identifie et localise les éléments individuels, en citant les numéros des entrées correspondantes dans le catalogue. Elle évoque ensuite les techniques de fabrication et les styles (ou systèmes) de décoration, qui sont également représentés dans la collection. C'est une information importante pour ceux qui visitent le musée ou qui parcourent simplement le catalogue, qui ne sont peut-être pas familiers avec la décoration étrusque des toits et des murs. De plus, l'étudiant en art étrusque bénéficiera du développement chronologique des formes (par exemple, simas et plaques de columen et de mutulus) et de motifs (en particulier pour les antéfixes et les plaques de revêtement) et la corrélation, dans certains cas, de types décoratifs spécifiques. avec la taille d'un bâtiment ou leur emplacement sur celui-ci (par exemple, antéfixes, plaques de revêtement).

Christiansen propose une analyse similaire, mais plus courte, pour les plaques murales en terre cuite. Contrairement à l'emplacement extérieur des terres cuites architecturales, ces pinakes étaient principalement utilisés à l'intérieur. Caere a produit les exemples les plus connus et ceux-ci sont cités pour des informations sur les dimensions, la technique de construction, la composition de la décoration peinte et la méthode d'application. Les origines des plaques murales de la Glyptotek sont inconnues, mais Christiansen note leur similitude avec celles de Caere. Tous sont fragmentaires, permettant tout au plus de reconstituer des motifs, mais pas de taille originale.

Un catalogue du matériel suit, avec des contributions des deux auteurs. Il commence par un toit étrusco-ionien entier et se poursuit avec des éléments désormais isolés organisés par type. (Voir liste des chapitres.) Chaque élément est décrit et daté, avec des reconstitutions pour certains et des photographies pour presque tous. Les pièces individuelles sont identifiées par leur(s) numéro(s) d'inventaire et discutées en termes de dimensions, d'état, de technique de fabrication, de matériau, de date d'acquisition et de lieu d'origine probable. La plupart de ces objets, mais pas tous, ont été publiés ailleurs, et ces informations sont fournies, souvent accompagnées de sources d'exemples connexes. Le catalogue est donc très détaillé et informatif.

Ce qui est remarquable dans la collection, c'est sa gamme à la fois en date et en type, et sa qualité généralement élevée. Les restes de deux protomaïs lions jadis attachés aux tuiles de couverture (n° 5) sont placés dès le dernier quart du VIIe siècle et constituent ainsi le début de la décoration architecturale en Etrurie. Une figure ailée probablement détachée d'une autre tuile de couverture (n° 6) reflète les types de l'époque orientalisante, bien que datée de 600-580 av. A l'autre extrémité du spectre chronologique se trouvent un sima ratissant en relief avec une alternance de têtes féminines et silencieuses s'élevant d'amas d'acanthe (n°12) et un antéfixe de tête de femelle (n°21), tous deux du IIe siècle av. et peut-être le même toit. La majorité des pièces datent cependant du VIe siècle, ce qui n'est pas surprenant compte tenu de l'énorme production de cette époque. 1

Bien que tous les éléments d'un toit étrusque soient représentés, les antéfixes forment l'essentiel de la collection, probablement aussi pour des raisons de production. Un grand nombre d'antéfixes portent une tête de femme, soit sans fioritures, soit agrémentée d'un diadème, d'un tutulus, d'un cadre en coquillage ou d'un cadre en coquillage floral. Les exemples datent de ca. 540 av. à l'époque hellénistique. D'autres antéfixes montrent la tête d'Acheloos ou un silencieux, également enfermé dans une coquille ou, pour cette dernière, un cadre de coquille florale. La charpente en coque, constituée d'une série de feuilles ou de languettes enserrant des bandes en relief, est caractéristique des toits de la région sud de l'Italie, la Campanie. Parmi la collection Glyptotek, on trouve des exemples des trois types (nos 26-28), avec une tête de femme, une palmette inversée et un gorgoneion, chacun enfermé dans un cadre en coquillage, qui décoraient le temple de Mater Matuta à Satricum, en Campanie. De plus, la Ny Carlsberg Glyptotek possède un certain nombre d'antéfixes à figures pleines, résultat de l'augmentation de la taille des temples, et donc de leur décoration, au tournant du VI e au Ve siècle. Ces éléments montrent une variété de représentations, y compris une seule ménade (n° 38), une ménade et silen (dans différentes versions, nos 39, 44), un silen assis (n° 43), une figure en cours d'exécution (identifié comme Phosphoros , n° 40), Typhon (n° 42), et Potnia Theron (n°, 41), ce dernier datant de l'époque hellénistique.

Next in number are revetment plaques, nearly all of which belong to the 6 th century. Several preserve color, including two sets in low relief in white-on-red decoration (nos. 55-56), two others in higher relief with black, white, and various shades of brown and red (nos. 59-60), a number of plaques with varied, and often unusual, themes rendered only in paint (nos. 62-66), and four fragments preserving floral relief in red, black, and white or pink (no. 67).

Especially striking are the acroteria, which were generally executed in the round and largely, if not entirely, handmade. These include a female head (no. 68) now attributed to a ridge statue of the second Temple of Mater Matuta in the San Omobono sanctuary in Rome, and fragments of at least two sphinxes (no. 69), a hippocamp with rider (no. 70), a male figure, possibly Herakles (no. 71), and a likely Harpy flanked by volutes (no. 72).

In addition, rider acroteria placed atop a raking sima can be reconstructed from fragments in the Ny Carlsberg Glyptotek (no. 73) and elsewhere. The acroteria were of two types made from very similar moulds : a single Amazon on a pair of horses to right and two warriors, each on his own horse, to left. The two groups would have appearedto ride toward the apex of the temple, which was occupied by a striding-warrior acroterion (no. 74), while the columen and mutulus plaques below were also decorated with warriors in relief (no. 75). All these figures are approximately one-quarter life size and are united as well by stylistic and technical characteristics. Patricia Lulof, who authored the entries, explains that all pieces were found in excavations of 1869-1870 at Caere and belong to the roof of a temple there.

The wall plaques (pinakes) show finely executed representations of the Archaic period and slightly later, but their fragmentary nature makes identification of the scenes uncertain. One (no. 78) may depict the Judgment of Paris and a three-part series (no. 79) is attributed to a narrative frieze of ritual or mythological content. A plaque showing a warrior with parts of another extending over the finished edge (no. 80) and a fragment with a male figure divided by a joint (no. 81) provide further evidence that a single pinax may not be complete in itself. At the same time, the collection contains at least one, and probably two, narrow plaques, each of which bears a fully contained figure (no. 85). These are tentatively identified as revetments flanking a doorway or window.

A bibliography appears at the end of the book, which provides citations for sources and abbreviations noted in the text. Since the authors mention developments in Campanian antefixes that subsequently impacted those of Etruria (p. 18), a brief bibliography of Campanian terracottas would have been useful. Besides articles by various scholars, one might cite the book by C. Rescigno, Tetti campani, età arcaica: Cuma, Pitecusa e gli altri contesti. Rome: G. Bretschneider, 1998.

Overall, this publication provides an excellent background to Etruscan architectural decoration and a thorough documentation of the important pieces in the Ny Carlsberg Glyptotek. The reader is aided by clear descriptions and illustrations, even for fragmentary items. Reconstructions are offered for many compositions and are particularly helpful for the unusual pediment represented by Amazon- and warrior- acroteria ascending the sima (no. 73). Another unusual arrangement, consisting of a hand-made depiction of Herakles attached to the corner of a raking sima and of snake heads, perhaps of the Lernean Hydra, rising above (nos. 9-10), would also have benefited from a reconstruction drawing. Similarly, the tentative assignment of an elaborate raking sima (no. 13), small female head antefixes (no. 48) and large female- and silen-head antefixes (nos. 49-50) to separate locations on a single late 4 th century roof, and of a lateral sima (no. 15) and revetment plaques (nos. 53-54) to another, much earlier (ca. 580 B.C.) roof, could be better envisioned with reconstructions. Such drawings would further enhance the impressiveness of this publication.

Table des matières

Foreword, 7-10
Introduction, 11-24
Catalogue, 25
The Architectural Terracottas, 27
Etrusco-Ionian Roof, 27-33
Cover Tiles, 34-37
Raking Simas, 38-53
Lateral Simas, 54-55
Antefixes, 56-113
Revetment Plaques, 114-139
Acroteria, 140-159
Columen and Mutulus Plaques, 160-171
The Painted Wall Plaques, Pinakes, 172-191
Bibliography, 192-196
Concordance, 197-198


Ceramics, Metalwork, Sculpture.

Céramique

Etruscan pottery terracotta overcoat technique was widely used in sculpture, in the production of masks and decoration of sarcophagi. The most splendid pottery recovered in the necropolis of Etruria were essentially imported from the cities of Greece and the Greece Magna, forming part of the network of exchanges and business between Etruscans and Greeks, but we find that along with these imported works were other local production that mimicked the first, about all those that were carried out in the attic and Corinthian style, which had a price more affordable and economical that the imported. The fact about these works less price did not indicate anything were of lesser quality since it is difficult to distinguish between the imported from the local.

Some ceramic Greek teachers (as Demerito di Corinto) then opened workshops specialized in the major cities of Etruria, disseminating their work systems: they taught how to debug and waterproof clay, also introduced the use of winch, introduced new forms of decoration painted with colors made on mineral bases as well of the popular Greek style ceramic realization. The geometric style is stylized, and goes from being of naturalistic character to offering inspirations based on episodes from mythology.

Le plus important Etruscan ceramic is performed in the technique of Bucchero (derived from the Spanish word Bucaro) which is a ceramic made using a much more refined clay and whose termination is much more polished since they use a rich thin grain of iron. Its texture was fragile and porous, black or dark grey becoming bright and beautiful when they were polished. This type of pottery was produced from the middle of the 7th century BC.

Baking this ceramic in a smoked atmosphere devoid of oxygen to reduced the porosity of the surface of the object to be impregnated of carbon particles. This type of technique was formerly known by other cultures before them, but the Etruscans raise it to a degree of perfection by using refined clay resulting in even more uniform black. This ceramic Bucchero in an initial archaic period of its realization was a bit loaded and tended to be profusely decorated and at the V century B.C the production of these type of ceramic stopped.

Approximately in the year 550 BC black-figure Corinthians pottery was the one that kept dominating the market preference of Etruria. It Is known that master potters from Ionia not only dominated the Etruscan market, but even went on to productions in the same Etruria. The ceramic Caeretan hydrae were extremely important and were made in Cerveteri. Master Athenian potters even export to Etruria a special production line when black-figure pottery and also the red figures began to gain in popularity and demand therefore to dominate the market.

Meanwhile the Etruscan ceramists produced pottery black figures but with great Greek influence in its forms and designs. They later also produced red-figure pottery around the V century BC, but rather doing them following the so-called attic style that was performed in the city of Vulci and Civita Castellany. Glazed Black ceramic came to also have popularity as well as that it produced with silver colors that imitated the metal very sophisticated these one that were a success in business and were of great demand during the Hellenistic period, producing them in the central region of Etruria.

Sculpture

The Etruscans did not used marble despite its Greek influence in their sculptural productions, however the terracotta and local stones were widely used above all for the production of bas-reliefs, funeral and religious sculptures to decorate the temples. Sculptures were also produced for the decoration of the houses of the wealthy people who could afford them.

Bronze sculptures

However when they were made in bronze these sculptures were only for the decoration of religious and funerary theme. The topics of everyday life, or profane nature according to the evidence preserved until now do not show that they have been prepared using the bronze.

– The highlight of the Etruscan sculpturein bronze was the “Capitoline wolf” made around the 5th century B.C presumably in the first half of this century and whose known image is shown in the article devoted to the history and Etruscan culture on this site.

– Le chimera of Arezzo (380 – 360) BC the Greek classical models of Praxiteles and Scopas-related.

– The Marte of Tody. This sculpture shows already elements of Greek classical models of schools of Phidias and Policleto.

Sculptures in terracotta (Coroplastia)

The terracotta was used for elements of architectural production such as

  • Plates
  • Antefixa (an ornamental edging on the eaves of an ancient building with a tiled roof that hides the joints of the roof tiles)
  • Acroterion (an architectural ornament placed on a flat base called the acroter or plinth). Stand out the productions in the city of Caere. The most important example is the sarcophagus of the spouses made in the period around 530-520 BC.

Sculptures of religious and mythological subjects were produced in the city of Veii. As an important example of those productions is The Apollo sculpture around the VI century B.C and is a representation of God’s natural size. Other Etruscan sculptures discovered at the same place of worship in Veii are made with the technique of modeling and archaic representation elements from the influence of Greece and were intended to decorate the top of the temple. Stands out the name of Vulca (Etruscan sculptor from this region of Veii) to who is attributed the statue of Jupiter and Hercules.

The reliefs found mainly associated with funerary art (Since have not been reached enough samples of decorative reliefs made with different purpose to evaluate them), are composed of funeral steles, cippi and sarcophagi as well as crematories urns and reliefs on the walls. They tell about the life of the deceased and thank to this information we have been able to obtain valuable data related to the Etruscan culture.

Jewelry and metal work of the Etruscan Art.

Stand out in the preparation of refined and original gold and silver artifacts such as pins, bracelets, rings, necklaces, jewelry for personal adornment, house goods decoration, daggers, shields, swords and pectoral amongst other many items thanks to the metallurgical development reached by several Etruscan cities.

In a first period the archaistic influence from the techniques of master Jewelers of Greece with strong Orientalizante influence stands out in the 7th and 6th BC.

The Etruscan developed wonderful pieces using metal with techniques such as the grain, watermark and embossment. By evidence found in the city of Vetulonia of small unfinished blocks in ivory it is known that there was a local production. Over time the local craftsmen progressively adapted their work to the specific characteristics and taste of the Etruscan Art. A little more freedom in forms were placed but making sure nevertheless that the beauty and perfection of the art pieces remains.

They worked silver and other metals producing various with strong Oriental influence. Some objects as for example metal vessels made in order to contain wine were reproduced in bronze, as well as other various objects including hand mirrors depicting a few of them mythological scenes as well as scenes of the everyday life. They had in many cases inscriptions with short messages, by this one it can be deducted that the main Etruscan women clients of these mirrors could read, at least the aristocratic woman’s who could afforded.

Etruscan objects for decorative use.

Beautiful objects made of ivory and amber were primarily made for jewelry and other body ornaments like Combs. Some small vessels to contain perfumes and ointments were found. Semiprecious stones cut in required forms to complement the decoration of rings, necklaces and earrings were made with expertise and attention to detail. It still amazes the ability of these master craftsmen who with tools today for us rudimentary, managed objects of so much beauty.

It is true Yes, that the Etruscans had a strong Greek influence in their works of art that they imitated them because they appreciate the perfection of their work and skills which is perfectly related with the tastes and characteristics of their own culture, but from there to say as others have said that they were mere imitators without intentions of creating their own style It really is an injustice to affirm a testimony like that without even have all the elements because many have been lost.

Deny that the Etruscan artwould have its own identity by the mere fact they used Greek skills and techniques It is going too far in the waters of ignorance and give too little credit to a culture that it is now that it is beginning to know its history and legacy a little better. The Greek techniques by the way were more than tested to work perfectly fine related to the taste of that period in history and also had great demand thanks to the perfection and beauty with which they were created so why the Etruscan should not imitated them is they fix perfectly for their purpose? Is not easy to take some other culture techniques and style to make them your own but they overcome the challenge nevertheless with success.


BLACK IS BEAUTIFUL!

A Black Man’s Head Protects Sanctity of Ancient Italian Temple
Image of the Week: The black man represented “otherness” and therefore had the ability to protect the community from harm. BY: IMAGE OF THE BLACK IN WESTERN ART ARCHIVE
Posted: July 29 2014 3:00 AM
3 2

Etruscan antefix, first half of the fifth century B.C. Polychromed terra-cotta, 25 cm high. MENIL COLLECTION, HOUSTON
This image is part of a weekly series that The Root is presenting in conjunction with the Image of the Black in Western Art Archive at Harvard University’s W.E.B. Du Bois Research Institute, part of the Hutchins Center for African and African American Research.

The head of a black man seen here, enclosed in a shell-like frame and painted in naturalistic colors, represents a key piece of sacred imagery produced by the rich but still imperfectly understood culture of ancient Etruria. This loose confederation of city-states dominated much of the central Italian peninsula for several centuries until its absorption by the Roman Republic by the first century B.C.

Though damaged, the terra-cotta plaque still communicates much of its original expressive effect. It was produced through the pressing of damp clay into a mold, a technique ideal for the extensive replication of a single motif across the facade of the temple. Known as an antefix, it once formed the end of a clay roof tile that capped the sloping roof of the sanctuary. These painted reliefs ran along the eaves of the building as a horizontal series of functional ornaments. As one approached the structure, the pitched roof would recede from view, leaving the row of terra-cotta antefixes isolated against the sky.

This work comes from an unidentified temple located in the southern zone of Etruscan territory at the present-day Italian town of Cerveteri. To the Romans it was known as Caere, but to the Etruscans themselves it was called Cisra. Situated near the sea, the sizable settlement was an important center of international trade and controlled much of the area around it.

The aesthetic experience of an ancient Etruscan temple was quite different from that of Greek sanctuaries such as the Parthenon and numerous kindred examples. The visual effect of the temple, raised on a high base and topped by a massive, overhanging roof, was dominated by a deep porch supported by massive wooden columns. Distinguishing it even further from its Greek counterparts was the wealth of painted terra-cotta sculpture fixed along key points of the exterior. Because of the use of impermanent materials such as wood and mud brick for the structure itself, Etruscan temples survive almost solely as accumulations of this clay decoration.

Seen in isolation here, the head of the black man once played an integral role in the spiritual functioning of the structure. Current scholarship has interpreted these heads as boundary figures, separating the mundane world from the sacred precinct of the temple. Not merely decorative, they had an inherent purpose to ward off demonic influences that might disturb the veneration of the deity. That the black head served this purpose is demonstrated not only by the archaeological evidence but also by the representation of black people in contemporary art and literature of the Mediterranean world.

At Pyrgi, a port town located not far from where this antefix was found, another temple site has yielded several successive sets of related tile covers. The concept of blackness consistently occurs throughout these groups. For instance, two of the sets of antefixes juxtapose black and white maenads, the female followers of Dionysus, the “good god” of wine and revelry. A subsequent set of these tiles featured black male heads alternating with those of white maenads. The antefix seen here most likely appeared in a similar context of meaning.

The use in a religious context of imagery related to the often rambunctious god of intoxication may at first seem incongruous, but it was quite in keeping with the strong sense of complementarity that ruled the ancient world. Although the gods themselves often behaved capriciously, beyond their usually benign presence lay a vast array of destabilizing forces. Antefixes with heads of the followers of Dionysus probably served an apotropaic function—that is, they were placed along the exterior of the temple to ward off any malign influences that might threaten the harmony of the divine precinct.

According to the ancient Greek author Plutarch, envious looks were diverted by unusual and often disturbing imagery before they could do any harm. Like the followers of Dionysus, the black man represented a foreign presence in the ancient Mediterranean consciousness and therefore was endowed with the ability to protect the community from harm. Thus concretized and focused, the black head became a familiar aspect of otherness among the Etruscans.

It is worth mentioning that an African form of Dionysus was venerated in Egypt well before the time this antefix was created. In this guise, the god of wine was the son of Ammon, the chief deity of the Egyptian pantheon. The cult of Ammon first arose in the black African kingdom of Meroe, later known as Nubia. A further association is thereby established between the cult of Dionysus and the origins of the black man on the antefix.

Though the Etruscans were almost certainly acquainted with actual black people through their far-flung trading network, the motif of the black head seems to have entered their visual vocabulary through a more formal process of artistic transmission. A likely source of the black-head antefix is an unusual group of vases with paired heads created by Athenian potters during this same period. At least two such vases have been excavated at Etruscan sites.

These distinctive works have been thoroughly analyzed by the scholar Frank Snowden. Known as janiform vases, these vessels usually feature a carefully modeled black male or female head conjoined with that of a distinctly contrasting type. Frequently, the image of Dionysian satyrs, or “barbarians,” occurs opposite the black face, a combination recalling the alternating types of Etruscan antefixes.

It is significant that representations of people of African descent focus solely on the head when they make their first appearance in Mediterranean art. The image of the black was initially imbued with a strongly symbolic meaning, a quality most effectively conveyed by the distinctive features of the head.

Interestingly, the same potent strategy would again be employed at a much later, distinctly different phase of European history. At a time during the Middle Ages when the direct awareness of black people was just beginning, the use of the “Moor’s head” as a heraldic device on flags and coats of arms carried with it a similar conception of the black as a signifier of both foreignness and great power.

The Image of the Black in Western Art Archive resides at Harvard University’s W.E.B. Du Bois Research Institute, part of the Hutchins Center for African and African American Research. The founding director of the Hutchins Center is Henry Louis Gates Jr., who is also The Root’s editor-in-chief. The archive and Harvard University Press collaborated to create The Image of the Black in Western Art book series, eight volumes of which were edited by Gates and David Bindman and published by Harvard University Press. Text for each Image of the Week is written by Sheldon Cheek.

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Commentaires:

  1. Arashijinn

    Je peux vous consulter sur cette question. Ensemble, nous pouvons trouver la décision.

  2. Saramar

    Excusez-moi pour ce que je dois intervenir ... situation similaire. Nous devons discuter. Écrivez ici ou en MP.

  3. Vudokora

    Je suis désolé, mais je pense que vous vous trompez. Je suis sûr. Envoyez-moi un e-mail en MP, nous parlerons.

  4. Jarid

    Je n'ai pas compris ce que tu veux dire?

  5. Malajind

    Pourquoi tous les lauriers iront-ils à l'auteur, et nous le haïrons aussi ?



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